Элементы барокко: Типичные архитектурные формы элементы барокко в интерьере (44 фото)

Содержание

Мебель и декор в стиле барокко: пышность и великолепие

Вы обожаете Версаль и Петергоф? В восторге от дорогих ресторанов, оформленных в дворцовом стиле? Вдохновляетесь роскошью фешенебельных отелей, выглядящих, как царские покои? Прекрасно чувствуете себя в окружении красного бархата и золота театральных лож? Мечтаете об огромном замке, интерьер которого утопает в блеске и декоре? Тогда этот стиль для вас!

Барокко — аристократический стиль интерьера, возникший в начале 17 века в Риме, распространившийся по всей Европе и позже пришедший в Россию. Он отличается показной роскошью, торжественностью и символизирует высокое положение хозяина дома.

Слово «барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый» и даже «порочный». Просторные светлые помещения, декорированные дорогими материалами и затейливой мебелью, и сегодня напоминают королевские залы. Для создания единого законченного образа необходимо продумать все детали: от отделочных материалов до мебели и элементов декора.

Тем не менее в наше время этот стиль чаще всего применяется в качестве дополнения к другим. Ведь дизайнеры и архитекторы так любят смешивать разные направления. Мебель и декор в стиле барокко прекрасно подходит для классических интерьеров, для дизайна в дворцовом стиле, для рококо, для эклектики, для неоклассики, умело использующей элементы прошлого и настоящего.

Основные характеристики стиля:

Пышность и дороговизна во всем.
Множество декоративных элементов. Барокко – это золоченая лепнина, молдинги, розетки, колонны и пилястры, фрески, изящная резьба с завитками, цветами, акантами и т.д. Живописные картины и зеркала в богатых рамах. Скульптуры ангелов, девушек, древнегреческих божеств. Обои с вензелями.
Применение ярких цветов. Золото, серебро в сочетании с красным, бордовым, терракотовым и белым.
Встроенная техника в современных интерьерах: стиль барокко не допускает демонстрации достижений науки и технологий, поэтому телевизоры и печи надежно спрятаны, либо задекорированы под предметы старины.

Соблюдение этих принципов помогает воссоздать дух эпохи Возрождения. Оказавшись в помещении, оформленном в стиле барокко, наслаждаешься атмосферой благородной роскоши.

Декор и его особенности:

Для стиля барокко характерно использование большого количества декоративных элементов. Это могут быть старинные часы в резном корпусе, оригинальные статуэтки, вазы, подушки, картины известных художников в деревянных резных рамах и багетах в серебре и позолоте. Особое внимание всегда привлекает огромное зеркало в золоченой раме с вензелями.

Стены, пол и потолок также выглядят, как произведение искусства. Розетки и фреска на потолке, лепнина и шелковые обои на стенах, паркет или мрамор, застеленный персидскими коврами, на полу — наиболее подходящие варианты отделки помещения в стиле барокко. Окна обрамляют пилястры и карнизы, украшают тяжелые длинные шторы. Недостаток света в вечернее время компенсируется шикарными многоярусными люстрами с хрустальными подвесками.

Практически все декоративные элементы несут художественную ценность.

Характерные черты мебели:

Стиль барокко сложно представить без вычурных фигур, золотистых узоров и изящной лепнины. Главным акцентом дизайна помещения в этом направлении считается мебель, преимущественно из дерева ценных пород. Для нее характерны плавные изогнутые линии, шикарная обивка и множество резных элементов.

В помещениях с ярко выраженными чертами барочного оформления трудно найти строгие формы и хоть каплю минимализма. Все предметы, которыми обставлено пространство, добавляют изысканности интерьеру комнаты.

Особенности мебели:

Дерево как основной материал изготовления. Ценные породы древесины отличаются высоким качеством, износостойкостью, смотрятся дорого и уместно в аристократическом интерьере. Причем желательно, чтобы это был дуб, как наиболее благородный и долговечный материал среди всех ценных пород.
Массивность мебели: высокие стулья, двустворчатые шкафы, солидные комоды, вместительные диваны и кровати, мягкие пуфы подчеркивают помпезность обстановки.
Изделия вычурны по форме, выполнены в стиле времен 18-го века. Характерны для интерьера такие предметы, как буфеты, комоды, тахты, банкетки, изысканные кресла-диваны, консоли, стулья с высокими резными спинками и т.д.
Волнистые спинки диванов и стульев, изогнутые ножки — отличительные черты мебели в стиле барокко.
Декорирование элементов мебели замысловатой резьбой по дереву и металлу. Оформление скульптурной резьбой и объемной рельефной резьбой, как в глухой, так и в прорезной технике. Практически полное отсутствие прямых линий и плоских элементов.
Изобилие серебристых, золотистых деталей. Возможно использование темно-красных, бордовых и коричневых акцентов в обивке мебели.
Украшение стекол витрин и сервантов разноцветными витражами, применение мозаичной кладки для их фасадов.

Отделка мебели гобеленом, жаккардовой тканью, шелком и другими дорогостоящими натуральными материалами.
Круглые столешницы, декорированные перламутром, мозаикой, мрамором, сочетающие функциональность и эстетику.

Где заказать?

Заказать любую мебель или элементы декора в стиле барокко вы можете по телефону и электронной почте, которые указаны на нашем сайте. Либо оставьте заявку в разделе «индивидуальный заказ», и наши специалисты свяжутся с вами. Они помогут подобрать готовый вариант для вашего интерьера из каталога или создадут уникальную модель, отталкиваясь от ваших предпочтений и финансовых возможностей.

Вы можете прислать эскиз или фотографию, по которым будет спроектирована 3D-модель будущего изделия. В ходе работы можно вносить коррективы, менять внешний вид и размеры товара. Консультация дизайнера и разработка 3д модели при заказе изделия у нас — абсолютно бесплатны.

Возможна наличная и безналичная оплата изделий, работает самовывоз в г. Санкт-Петербурге или доставка «до двери» по России транспортной компанией.

Любые виды постобработки резной мебели и декоративных элементов — золочение, патинирование, браширование, окрашивание в любой нужный вам цвет.

Мы создаем шедевры!

Еще статьи по теме:

Дуб для изготовления мебели: за и против.
Рамы и стили: прованс, барокко, ампир и т.д.
Диваны и кресла в классических стилях.
Лепнина для интерьера. Виды и материалы.

Стиль барокко в интерьере ▷ особенности дизайна интерьера в стиле барокко

Барокко как стиль в интерьере появился ещё в XVII веке в Италии, но его элементы до сих пор находят своих обожателей. Если вы в их числе — устраивайтесь поудобнее, нам есть, чем поделиться.

Две работы Джованни Лоренцо Бернини. Слева — церковь Сант-Андреа-аль-Квиринале, открытая в 1670 году в Риме. Справа — кафедра Святого Петра в соборе Святого Петра в Ватикане, открытая 1666 году

Возникновение стиля барокко

На эту тему у нас даже отдельная статья есть. В начале XVII века религия в Риме играла огромную роль в жизни простых граждан. В ответ на протестантскую Реформацию Католическая церковь стремилась установить эмоциональный контакт с итальянцами/ И если в эпоху Возрождения архитектурное искусство позиционировало себя элитарным и «не для всех», то барокко был призван заставить даже необразованные массы поверить в силу и грандиозность церкви.

Римские папы нанимали лучших архитекторов, художников, дизайнеров интерьеров для постройки бесчисленных церквей и дворцов, что меняло облик города, делало Рим визуально богаче и роскошнее. Этот стиль быстро подхватили во всей Европе. Вслед за экстерьером менялось и внутреннее убранство состоятельных граждан. Великие художники своего времени занимались разработкой нового стиля мебели и декора, пытаясь переплюнуть друг друга и самих себя. Давайте посмотрим, что у них получилось.

Основные принципы

В барокко принято преувеличивать выражения и жесты, создавать драму, напряжение, величие. Стиль барокко — это символ силы. Большие и детально продуманные предметы мебели, украшенные золотом рамы и стены, резные потолки —

стиль дворцов и огромных резиденций. В современном мире воссоздать атмосферу правильного барокко очень сложно из-за масштабов стиля. Но аккуратный микс современных линий и основных элементов традиционного барокко может отлично вписаться даже в городское жилье.

Попробуйте добавить в свой интерьер:

Мебель, украшенную изысканной резьбой, покрытую золотом или бронзой
Богатую отделку: молдинги на стенах и потолке, гобелены, лепнину
Скульптуры и изящные статуи, часто изображающие детей, музыкантов и красивых женщин
Роскошное постельное белье (из парчи, шёлка, бархата)

Посмотрите, как можно добавить отдельные элементы стиля в современный дизайн. Детали остаются те же – лепнина, высокие окна и двери, но несколько невесомых предметов полностью меняют пространство.

Цветовая гамма

Основной цветовой акцент барокко — золото, которым часто украшены зеркала, предметы декора, мебель и аксессуары. Чтобы подчеркнуть металл, выбирайте светлые нейтральные оттенки или, наоборот, тёмные и богатые: бордо, насыщенный синий или глубокий зелёный.

Оформление стен

Главное правило — стены должны быть рельефными. Стиль барокко предполагает динамику: огромное количество вставок, бордюров, молдингов, гобеленов, лепнин, ниш, колонн, и даже пилястров. Приветствуются картины времен Ренессанса на стенах. Для придания объема используются также текстильные обои, гипс, окрашенные деревянные панели. Смело смешивайте декор друг с другом: лепнину, позолоту, фрески —

в этом стиле не бывает понятия «слишком роскошно».

Оформление потолка

Правила те же, что и у стен: потолки не могут быть однородными. Они часто расписаны, обрамлены лепными украшениями. В классическом барокко потолок — продолжение стены, он должен дополнять, но не контрастировать. Декор в виде позолоты также остается уместен. Идеальное решение, если вы хотите передать дух эпохи — потолок, украшенный фресками.

Оформление пола

Цвет пола обязательно должен сочетаться с цветовой гаммой пространства. Материалы: чаще всего дерево, уместен будет искусственный паркет под дорогую древесину. Можно использовать камень. Частый гость в интерьере ковер, но (обращаем на это особое внимание) ковры не должны занимать всю поверхность пола.

Мебель в стиле барокко

Основная особенность мебели в стиле барокко — сложный орнамент. Вся мебель украшена множеством деталей, с обильным, очень часто преувеличенным декором. При этом композиции отличаются тонким балансом и гармоничной интеграцией всех элементов. Части мебели симметричны, все детали повторяются одинаково с обеих сторон.

Мебель того времени часто изготавливалась из экзотических материалов: красное и эбеновое дерево, слоновая кость, импортированные металлы. Распространены были мраморные столешницы, особой популярностью пользовалась позолота.

Такая мебель обязательно должна быть презентабельной и роскошной. Мебель часто украшают:

Текстиль

Текстиль необходим для поддержания чувства богатства и роскоши. Этот эффект достигается при помощи пышных драпировок, подвесок и кисточек, золотых вставок. Большое значение имеют шторы. Как правило, шторы шьются из бархатной ткани, золотой парчи, атласа или шёлка, их расшивают золотой нитью или люрексом. В современных интерьерах популярны ткани, имитирующие натуральные материалы: такие как оникс, мрамор, малахит и др. Очень важно наличие роскошного ламбрекена, дополнительно украшенного вышивкой. Допускается использование контрастных цветов.

Освещение

В комнатах в стиле барокко обязательны большие окна, дающие много дневного света. Также используются широкие зеркала, которые наполняют пространство светом и визуально его увеличивают. Искусственное освещение представлено хрустальными массивными люстрами с лампами, имитирующими свечи. Используются также настенные светильники и эффектные торшеры с резными ножками.

Барокко сегодня

Конечно, повторить дворцовый стиль каноничного барокко сегодня не очень-то просто: приходится думать о том, как сэкономить квадратные метры и не устраивать пир на весь мир. И всё же вдохновляться изяществом XVII века можно и нужно: добавьте немного лепнины на стены, поставьте пару стульев с резными ножками или хотя бы повесьте золотое зеркало на стену.

Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты

Артемизия Джентилески: Юдифь со служанкой

Просмотреть все СМИ

Ключевые люди:: Гуарино Гуарини Сэр Сашеверелл Ситуэлл, шестой баронет Паломино Де Кастро и Веласко Жан-Франсуа де Лаарп Франсиско Пачеко

Похожие темы:: искусство барочная музыка барочная архитектура Позднее барокко необарокко

Просмотреть весь связанный контент →

Прочтите краткий обзор этой темы

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство и проектирование и строительство зданий, созданные в эпоху в истории западного искусства, примерно совпадающую с 17 веком. Самые ранние проявления, произошедшие в Италии, относятся к последним десятилетиям 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не происходили до 18 века. Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно, даже противоречиво. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, – это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.

Происхождение термина

Термин барокко, вероятно, произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другим возможным источником является португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчуга неправильной или несовершенной формы, и это использование до сих пор сохранилось в ювелирном термине 9.0024 барочная жемчужина .

В художественной критике слово «барокко» стало использоваться для описания всего неправильного, причудливого или иным образом отступающего от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на художественные стили 17-го века придерживался с небольшими изменениями критики от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда имел значение странного, гротескного, преувеличенного и чрезмерно украшенного. Только благодаря пионерскому исследованию Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888), что термин «барокко» использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного оскорбления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основные тенденции эпохи

Три более широкие культурные и интеллектуальные тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также на музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее сфер как территориально, так и интеллектуально. К последним десятилетиям 16 века утонченный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах. Чтобы противостоять нашествиям Реформации, Римско-католическая церковь после Трентского собора (1545–1563) заняла пропагандистскую позицию, согласно которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования веры общества в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, чьи художественные произведения вызывали у верующих откровенно эмоциональную и чувственную привлекательность. Стиль барокко, развившийся из этой программы, был парадоксальным образом и чувственным, и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление о великолепии божественного. Церковные потолки в стиле барокко, таким образом, растворялись в нарисованных сценах, которые представляли наблюдателю яркие виды бесконечности и направляли чувства к небесным заботам.

Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий, сопровождавшаяся одновременной кристаллизацией видного и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего проявляется в королевском дворце и садах Версаля. Но в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его вкус к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тура во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления см. в см. Рембрандт ван Рейн.)

Третьей тенденцией был новый интерес к природе и общее расширение интеллектуальных горизонтов человека, вызванное развитием науки и исследованиями земного шара. Они одновременно породили новое ощущение как человеческого ничтожества (особенно усиленного коперниканским смещением Земли из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются как мельчайшие фигуры в обширной природной среде, свидетельствует об этом меняющемся понимании человеческого состояния.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подписаться

Элементы стиля барокко

Взаимосвязанные направления.

В последней четверти шестнадцатого века в Болонье, епископальном городе, находившемся под управлением католического реформатора Габриэля Палеотти, появились первые проблески пути, по которому должен был пойти стиль барокко XVII века. Лидеры этой болонской школы, Лодовико, Аннибале и Агостино Карраччи, пришли к созданию нового вида искусства, во многом противоположного интеллектуальному формализму и изощренности маньеристов. Их новый стиль отвечал требованиям католической Реформации о религиозных произведениях, которые были ясными и понятными и обращались к сердцам верующих. Благодаря многочисленным ученикам, которых Карраччи обучали в Болонье, к концу века этот новый стиль превратился в узнаваемую школу живописи. На итальянской художественной сцене по-прежнему сохранялось большое разнообразие, поскольку многие мастера-маньеристы продолжали находить восприимчивую аудиторию, готовую поддержать их заказами. С прибытием Аннибале Карраччи в Рим в конце 159 г.Однако в 2000-х годах передовой художественный центр Италии был представлен художником, который сознательно стремился возродить многие принципы дизайна Высокого Возрождения. Его работы выступали за возвращение к натурализму, к чувству порядка и гармоничного баланса, которые были отмечены в работах Микеланджело, Рафаэля и Корреджо начала шестнадцатого века. В то же время в его творчестве сыграли роль новое драматическое чувство движения и даже экстатическое религиозное благочестие. Другими словами, его обращение к эмоциям было гораздо более глубоким, чем интеллектуализм стиля Высокого Возрождения. Усилия Аннибале Карраччи и его болонских студентов, которые последовали за ним в Рим, были особенно важны для установления одной черты изобразительного искусства в стиле барокко: его попытки обуздать эмоции, впечатляя зрителей чувством драмы и кульминационным моментом, который был больше, чем его части. Болонское видение было лишь частью сложных стилистических изменений, происходивших в Риме в конце шестнадцатого и начале семнадцатого веков. В эти годы грозный талант Микеланджело Меризи да Караваджо прокладывал иной путь в развитии барокко. Работы Караваджо отличались реалистичностью. В отличие от тщательных предварительных зарисовок и рисунков, которые Аннибале Карраччи и болонская школа делали перед рисованием, Караваджо работал непосредственно с натуры, используя эту технику, чтобы запечатлеть непосредственность моментов, которые он рассказывал в своих произведениях. Он одевал своих моделей в современные костюмы и полагался на драматическое освещение, чтобы залить свои фигуры контрастами света и тьмы. По мере того как образцы Караваджо, Карраччи и других болонских художников были оценены на римской художественной сцене, другие стали экспериментировать с техниками, которые продемонстрировали эти фигуры. Некоторые, известные как «Караваджисты», следовали пути сурового реализма Караваджо, в то время как другие стали отражать более классические болонские ценности. Третьи стремились объединить оба вида художественного видения. В целом, однако, ни одна из тенденций, характерных для раннего барокко в Риме, — возврат к классицизму Высокого Возрождения, появление в живописи и скульптуре чувства динамического движения, вкус к изображению сюжетов, чрезвычайно реалистичным — было взаимоисключающим. Мы часто видим, как художники первых поколений барокко экспериментировали со всеми тремя этими элементами, чтобы создать новые виды художественного выражения, отвечающие религиозным, социальным и интеллектуальным требованиям своего времени.

Карраччи.

Город Болонья был самым северным форпостом Папской области в Италии, землями, которые папа контролировал как свою территорию на полуострове. В 1580-х годах братья Аннибале и Агостино Карраччи и их двоюродный брат Лодовико Карраччи основал успешную студию в Болонье, которая экспериментировала со способами возрождения классицизма Высокого Возрождения. Вскоре у них появилось несколько учеников, и их усилия, наряду с усилиями ряда других болонских художников, привели к тому, что художественные заказы в Центральной Италии были удалены от господствовавшего в то время движения маньеристов. Из троих это был Лодовико Карраччи (1555–1619 гг.).), который больше всего претендовал на звание ученого, хотя Аннибале предстояло занять нишу как самый успешный художник. Лодовико был старшим из троих, и, за исключением краткого визита в Рим и нескольких путешествий в юности, почти всю свою карьеру провел в провинциальной Болонье. В то время как Лодовико пытался вернуться к классицизму и натурализму Высокого Возрождения, в его работах сохранились некоторые влияния маньеризма. Его особенно привлекал колорит венецианской живописи, и, как и все трое Карраччи, он очень восхищался работами Корреджо (1489 г.–1534), художник из Пармы, чьи монументальные потолочные фрески в городском соборе должны были вдохновить несколько поколений художников эпохи барокко. Влиятельный на местную сцену в Болонье, Лодовико Карраччи оставил еще больший след в искусстве того времени благодаря своему влиянию на своих младших кузенов, а также на нескольких своих учеников, наиболее важным из которых был Гвидо Рени, плодовитый семнадцатый Мастер века. Ранние эксперименты Лодовико по возрождению более натуралистического и классического стиля изображения вскоре были вытеснены его двоюродными братьями Аннибале и Агостино, хотя Лодовико помог заложить основу для более позднего успеха Карраччи, стремясь присоединиться к флорентийской традиции рисования (9).0131 disegno ) с использованием венецианских и северо-итальянских колористических техник ( colore ). На протяжении большей части шестнадцатого века художники и теоретики спорили, какая из этих двух традиций лучше. Например, венецианские и северно-итальянские художники давно известны изощренностью своих цветов и попытками передать массу и глубину за счет создания богатых слоев масла на холстах и панелях. Напротив, флорентийская традиция рисовать картину по этюдам и по рационально продуманной программе рассматривалась как совсем другая традиция. Знаменитая студия Карраччи в Болонье попыталась создать союз между этими двумя самобытными традициями.

НОВЫЕ ОТКРЫТИЯ

Введение: Художники эпохи барокко, достигшие зрелости в начале семнадцатого века, были неутомимыми учениками искусства, путешествовавшими по Италии в поисках вдохновения. Большинство из них стали ненавидеть многие течения маньеризма в искусстве и вместо этого искали более старое вдохновение в Микеланджело или других известных художниках эпохи Возрождения. Великая фигура Антонио да Корреджо (1494–1534) был одним из художников, которыми восхищался Аннибале Карраччи. Несмотря на свою короткую жизнь, этот художник оставил после себя ряд важных фресок в городе Парма и его окрестностях. В 1580 году Карраччи написал письмо своему двоюродному брату в Болонью вскоре после прибытия в город. Он описал свое волнение, увидев работы этого великого и малоизвестного мастера. По мере того, как Карраччи развивал свой стиль, он черпал вдохновение в стремительно движущихся формах искусства Высокого Возрождения Корреджо.

Я не знаю, сколько вещей я видел сегодня утром, кроме запрестольного образа, изображающего святых Иеронима и святую Екатерину, и картины Мадонны с чашей на пути в Египет. Ей-богу, я бы не хотел променять ни один из них на St. Cecelia ! Скажите сами, не прекраснее ли благодать святой Екатерины, с таким очарованием склонившей голову к ноге этого прекрасного Младенца Христа, Марии Магдалины? И в этом прекрасном старце, святом Иерониме, не больше величия и нежности, чем в Святого Павла Рафаэля, который сначала казался мне чудом, а теперь кажется совершенно деревянной вещью, твердой и острой? Кроме того, нельзя ли сказать так много, что даже вашему Пармеджанино приходится мириться с этими замечаниями, ибо теперь я знаю, что он пытался подражать изяществу в картинах этого великого человека, но еще далеко не достиг его. путти Корреджо дышат, живут и смеются с такой грацией и правдой, что над ними надо смеяться и веселиться.

Я пишу своему брату, что ему совершенно необходимо приехать сюда, где он увидит то, во что мы никогда бы не поверили. Ради бога, попроси его побыстрее выполнить эти две задачи, чтобы прийти сюда сразу. Я уверяю его, что мы будем жить вместе в мире. Между нами не будет ссоры. Я позволю ему говорить все, что он хочет, а сам займусь рисованием. Также я не боюсь, что он не сделает того же и откажется от болтовни и софистики, а все это пустая трата времени. Я также сказал ему, что постараюсь быть у него на службе, и когда я стану известен, я буду спрашивать и искать возможности.

источник: Аннибале Карраччи в Документальная история искусства. Том. II. Эд. Элизабет Г. Холт (Гарден-Сити, Нью-Йорк: Doubleday Books, 1958): 72–73.

Аннибале Карраччи и потолок Палаццо Фарнезе.

Величайшим из этих трех мастеров был Аннибале (1560–1609), который, возможно, рано изучал живопись у своего двоюродного брата Лодовико, но в юности на которого также повлияли течения маньеризма в Болонье. Даже в своих юношеских работах Аннибале продемонстрировал творческое слияние множества различных живописных стилей, распространенных в Центральной и Северной Италии. Как и Лодовико, он был очарован флорентийской традицией рисунка, подобного рисунку, но в равной степени был очарован богатыми колористическими приемами венецианского искусства. Его работы с самого начала демонстрировали более тщательный натурализм, чем тот, который присутствует в искусственном и очень элегантном мире маньеризма, и он приобрел много поклонников, в том числе кардинала Одоардо Фарнезе, в то время высокопоставленного члена церковного правительства. В 1595, Аннибале прибыл в Рим по настоянию Одоардо. Одоардо поручил Аннибале нарисовать большую галерею во дворце кардинала. Работа была одним из первых определяющих шедевров барокко и композицией, которая вызвала всеобщее восхищение вскоре после ее завершения в 1600 году. В то время считалось, что творение Карраччи имеет такое же значение, как потолок Сикстинской капеллы Микеланджело или фрески папской квартиры, которые Рафаэль был казнен примерно в то же время. С веками такие экстравагантные оценки Галереи Фарнезе померкли, но тем не менее это блестящее достижение. Темой одиннадцати основных фресок, которые Карраччи нарисовал в зале, была любовь языческих богов. Хотя на первый взгляд тема кажется дохристианской, в произведении на самом деле удается восхвалять христианские добродетели за счет использования ряда скрытых символов и более глубоких значений. Его использование интеллектуально продуманной программы должно было быть типичной чертой потолков в стиле барокко, как и использование многих завуалированных и скрытых значений. В то же время произведение доступно благодаря своей торжествующей образности, монументальному масштабу и впечатляющему чувству динамического движения. Стилистически в потолке использованы идеализированные человеческие формы, похожие по ощущениям на фрески великого Микеланджело Сикстинской капеллы. Чтобы организовать дизайн, Аннибале Карраччи разделил бочку или округлый свод зала на несколько разных изображений, каждое из которых он обрамил иллюзионистскими устройствами, так что они казались помещенными в отдельные рамки. Между многими из них он поместил классические обнаженные тела, снова нарисованные так, чтобы они выглядели так, как если бы они были скульптурами и, казалось, выполняли роль кариатиды , древние статуи, поддерживавшие портики храмов. В целом весь потолок производит впечатление художественной галереи образованного коллекционера, наполненной изображениями, которые предполагают собрание античного искусства и скульптуры. На протяжении всей работы Карраччи также удалось соединить почтенные традиции рисования с северно-итальянским чувством цвета. В результате своего примера он вдохнул новую жизнь в форму фрески, создав стиль композиции, который должен был широко подражать в течение следующих двух столетий в любом количестве монументальных потолочных циклов, выполненных художниками как в Италии, так и за границей.

Другие болонские художники в Риме.

В первые годы семнадцатого века ряд других художников мастерской Карраччи перебрались из Болоньи в Рим, в том числе Гвидо Рени (1575–1642), Доменикино (1581–1641) и Франческо Барбьери, более известный как Гверчино (1591–1666). Рени и Доменикино обучались в мастерских Агостино и Лодовико Карраччи, а Гверчино приехал туда молодым художником и попал под их пример. Хотя влияние стиля Карраччи очевидно во всех их работах, каждая из этих фигур развивала несколько иное направление в своем искусстве. В 1601 году папство призвало Гвидо Рени в Рим, и, хотя он оставался там в течение следующих полутора десятилетий, он делил свое время между церковной столицей и Болоньей. Часто в разногласиях со своим папским покровителем ему на время угрожали арестом за неуважение к папской власти. Дома в Болонье он создал большую и успешную студию, которая выполнила множество религиозных картин в новом стиле для церквей в Центральной и Северной Италии. Около 250 его работ сохранились до наших дней, что свидетельствует о богатстве его художественного воображения и усердии, с которым он развивал свою студию. Рени написал ряд изображений Девы Марии, которые широко копировались. В коммерческом отношении он был самым успешным из многих художников, процветавших в Италии в то время, и его широко восхищались его способностью изображать религиозные чувства экстаза так, что казалось, что у него почти захватывает дух. Лично он был глубоко религиозен, как и многие художники болонской школы, но в то же время избегал похвал и, кажется, страдал противоречивой сексуальной натурой. Это была его склонность представлять религиозные чувства в своих работах таким образом, который предполагал эфирное, что заставило историков искусства девятнадцатого века не принимать во внимание его работы как чрезмерно сентиментальные. Недавно его картины подверглись переоценке, и его влияние на художественную культуру того времени стало лучше пониматься. Напротив, работа Доменикино была более классической по духу и организации. Художник создал ряд работ на мифологические и античные темы, примечательных использованием героических фигур в пейзажах, которые кажутся классическими по происхождению. Изображение человеческих эмоций Доменикино было более бурным и менее идеализированным, чем у Рени, за что его критиковали многие художественные академики в конце семнадцатого века. Еще при жизни ему приходилось защищаться от обвинений в том, что его работы были производными, поскольку он часто собирал многие свои фигуры и пейзажи на основе своих знаний о предыдущих произведениях искусства. Долгоживущая фигура Гверчино (прозвище, означающее «косоглазый») также имела успех на сцене в Риме, где он произвел фурор своим созданием потолочной фрески, посвященной мифу о Аврора в садовом флигеле на вилле Людовизи. Благодаря своему мастерству иллюзионистских техник он перенес линии структурной архитектуры комнаты вверх на потолок и заполнил свод узким каналом, отмеченным этими ложными иллюзорными структурами. Через это пространство несется колесница Авроры с путти (маленькими ангельскими фигурками), голубями и облаками, разделяющимися и рассеивающимися по ее следу. Его стиль здесь, как и в других местах, был очень утонченным и роскошным. Несколько позже Гверчино удалился в свой родной Ченто недалеко от Болоньи, где продолжал руководить успешной студией. В начале 1530-х годов королева Франции Мария Медичи рассматривала возможность нанять его на какое-то время в качестве своего придворного художника, но не смогла этого сделать, когда была вынуждена покинуть страну из-за разногласий со своим сыном, королем Людовиком XIII. Хотя он путешествовал для выполнения заказов, Гверчино продолжал жить в Ченто до своей смерти в 1666 году в возрасте семидесяти пяти лет.

Значение Болонской школы.

Возникновение особой школы живописи в Болонье оказало глубокое влияние на искусство Италии семнадцатого века. Характерное сочетание натурализма, классического стиля и колористических техник, которые создали эти болонские художники, должно было начать оставлять свой след на художественной сцене Рима около 1600 года. Возникновение других конкурирующих видений барокко не ослабило энтузиазма по поводу болонские мастера, хотя они стали пользоваться популярностью в одних судах и городах, но не принимались во внимание в других местах. В фигуре Караваджо (1573–1610) развилось второе, еще более драматическое видение нового стиля. Это более бурное и динамичное искусство появилось на римской сцене примерно в то же время, когда Аннибале Карраччи писал свои знаменитые фрески в галерее дворца Фарнезе в Риме. Как и Карраччи, работы Караваджо должны были привлечь многих учеников, которые увидели в его поразительно реалистичных картинах с их сильными контрастами света и тени подходящее средство для передачи религиозных тем эпохи. Эти последователи Караваджо должны были стать известными как «Караваджески», особая школа последователей, которые подражали лидерству своего вдохновения, точно так же, как болонские художники стали близко моделировать свои композиции по произведениям Лодовико, Аннибале и Агостино Карраччи. Это разделение живописного мира Италии XVII века на соперничающие лагеря является одной из отличительных черт эпохи. В то же время можно видеть, что художники, работавшие в Риме, черпали вдохновение в обеих школах живописи.

источники

Деннис Махон, Исследования в области искусства и теории сейченто (Лондон: Институт Варбурга, 1947).

Дональд Познер, Аннибале Карраччи. 2 тт. (Лондон: Phaidon Press, 1971).

Ричард Э. Спир, Доменикино. 2 тт. (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1982).

Рудольф Виттковер, Искусство и архитектура в Италии: с 1600 по 1750 год. 3-е изд. (Балтимор, Мэриленд: Penguin Books, 1981).

Саргорстрой