Элементы барокко: Орнамент эпохи Барокко

Стиль барокко зародился в Европе на стыке 17–18 веков и стал одним из самых величественных, пышных и торжественных направлений в искусстве и архитектуре. Поражающие своей динамичностью, резьбой, фресками и царским великолепием интерьеры до сих пор потрясают зрителей. Один из создателей стиля — Микеланджело — вывел основополагающий элемент стиля барокко — пластику стены. Один из шедевров мировой архитектуры, венец творчества Микеланджело, Собор Святого Павла причисляют к этому стилю.

Стиль барокко в архитектуре особенно поражает динамическими эффектами. Особенностью стиля является практически полное отсутствие горизонтальных линий. Архитектурные формы противоположны строгой геометрии. Здесь круг сменяется овалом, квадрат — прямоугольником, центрическое — протяженным. Фасады изгибаются, словно под напором внутренних сил: из толщи стен появляются колонны, карнизы, пилястры, многочисленные украшения. Здания, выполненные в стиле барокко, живописны, скульптурны. Аттики и фронтоны завершаются статуями, стены украшаются рельефами, ниши заполняются скульптурами. Многочисленные элементы декора лишают формы строгой четкости.

Главная черта барокко в интерьере — пышность и торжественность. Попадая в дом, гость всегда ослеплялся красотой вестибюля — роскошная лестница, ведущая на второй этаж, яркое освещение, роспись на потолке. На втором этаже располагались парадные залы. Они объединялись в анфиладу посредством небольших галерей, украшенных картинами, статуями или бюстами, зеркалами. Здесь находились коллекции художественных ценностей хозяев дома. Окна галерей обычно выходили в парк, противоположные окнам стены увешивались зеркалами такого же размера. Это создавало иллюзию объединения архитектуры с природой и углубления пространства.

Барокко — стиль, стремящийся к зрительному увеличению пространства. Мастера дизайна применяли различные средства — установка зеркал на стенах, расписывание потолков облаками, небесными просторами, фигурами херувимчиков, купидонов и амуров. В центре потолка, как правило, располагался центральный плафон, обрамленный лепным бордюром. Стены оформлялись не только зеркалами, но и пилястрами, лепными гирляндами, витыми колоннами, а также деревянными резными панелями, в которые были вмонтированы портреты предков или правителей. Последним криком моды считалась обшивка стен тисненой золотом кожей, бархатом и шелком.

Стиль барокко в интерьере требует обязательного наличия мягкой мебели. Многочисленные стулья, кресла, табуреты, диваны с волнообразными спинками, подлокотниками и мягкими сиденьями должны быть оббиты дорогими тканями в духе исторической эпохи — штофом, бархатом, тисненой кожей, гобеленом, тканью, имитирующей глазет, с узором, выполненным золотыми или серебряными нитями. Ножки мебели в виде балясин, консолей, пирамид, сужающихся к низу, украшают богатой резьбой.

Мебель в стиле барокко чаще изготавливают из ореха, поскольку его древесина пластичная и податливая, что делает ее чрезвычайно удобной для выполнения обильной резьбы. Из него делают всевозможные столы с украшенными резьбой или бронзовыми деталями ножками, шкафы, комоды с большим количеством ящиков, бюро, книжными шкафами.

Современное барокко отличается от классического использованием ультрасовременных материалов. Бра из цветного стекла и пластика воссоздают классические формы светильников эпохи барокко, классические кресла оббиты яркими современными синтетическими тканями. На потолке выполняются старинные узоры из пластика. Неоновое освещение соседствует со свечами.

В наши дни барокко в интерьере используют в ресторанах, кафе, бутиках. В частных владениях в этом стиле оформляются как отдельные помещения, так и целые дома. Яркая роскошь, сочетаясь с необычными материалами, делает интерьер не только изысканным и функциональным, но и уникальным, превращая обычные помещения в яркое и стильное пространство, благодаря чему, легкий и элегантный стиль, вернувшийся из прошлого, еще долго будет находиться на вершине творений дизайна интерьеров и архитектурных проектов.

Похожие статьи

Вентилируемые фасады

Навесные вентилируемые фасады представляют собой современные комплексы защиты зданий от внешних атмосферных факторов. Их использование особенно эффективно в регионах, где имеют место значительные перепады температур и наблюдается высокая влажность.

Кухонный фартук: плитка или стекло?

Пожалуй, обусловливающим фактором для выбора облицовки кухонного фартука будет только дизайн интерьера.

Интерьер в стиле ампир

Стиль ампир восходит своими истоками к культурам могущественных империй далекого прошлого: древнего Рима, Египта, Греции.  Однако своего расцвета он достиг только в начале 19-го века во Франции в период правления Наполеона Бонапарта, придя на смену классицизму.

Рациональная мебель как элемент дизайна

Стиль и дизайн квартиры может многое сказать о мироощущении хозяев. Некоторым нравится классический стиль, другие предпочитают модерн. Но в любом случае, обустройство жилья – это единство концепции и органичное сочетание цвета, формы, материала.

Обратная связь

Ваше имя

E-mail ^*

Телефон ^*

^* Поля обязательные для заполнения

Вставка FLY RIGHE ACQUA INSERTO

Количество: – + м²

Цена:

Продолжить покупки

Товар сохранится в корзине

Задать вопрос

KERAMOGRANIT.RU

Москва

ул. Новогиреевская, 10к1

+7 495 988 26 05

[email protected]

Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты

Артемизия Джентилески: Юдифь со служанкой

Просмотреть все СМИ

Ключевые люди:

Гуарино Гуарини Сэр Сашеверелл Ситуэлл, шестой баронет Паломино Де Кастро и Веласко Жан-Франсуа де Лаарп Франсиско Пачеко

Похожие темы:

искусство барочная музыка барочная архитектура Позднее барокко необарокко

Просмотреть весь связанный контент →

Популярные вопросы

Откуда взялся термин Барокко ?

Термин барокко , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другой возможный источник – португальское слово 9.0024 barroco (испанский barrueco ), используемый для описания жемчуга неправильной формы. В искусствоведении слово

барокко стало обозначать что-либо неправильное, причудливое или иным образом отступающее от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19 века этот термин всегда имел значение странного, преувеличенного и чрезмерно украшенного. Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина « Ренессанс и барокко » (1888 г.) этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Подробнее читайте ниже: Происхождение термина

Генрих Вельфлин

Прочтите об историке Генрихе Вельфлине, который превратил слово барокко из слегка завуалированного ругательного термина в название особого стиля и периода.

Каковы характеристики искусства и архитектуры барокко?

Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно и даже противоречиво.

Течения натурализма и классицизма, например, сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, – это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.

Подробнее читайте ниже: Происхождение термина

Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане

См. пример характерной драмы и движения архитектуры барокко в дизайне Франческо Борромини для Сан-Карло-алле-Кватро Фонтане.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три основные тенденции оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация. Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545—63) приняла пропагандистскую программу, согласно которой искусство должно было служить средством возбуждения веры населения в церковь.

Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка делала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного. Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко строились в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу централизованного государства, явление, которое лучше всего проявилось в Версале. Третьей тенденцией было расширение интеллектуальных горизонтов человека, подстегиваемое развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение человеческого ничтожества (особенно усиленное коперниканским смещением Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира. Пейзажные картины, на которых люди изображаются в виде мельчайших фигурок в огромном пространстве, свидетельствовали об этом меняющемся понимании человеческого состояния.

Подробнее читайте ниже: Три основные тенденции эпохи

Контрреформация

Узнайте больше о Контрреформации, пропагандистской программе, принятой Римско-католической церковью для противодействия распространению протестантской Реформации с помощью искусства и архитектуры.

Какие художники связаны со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицистический и реалистический стили. Художница Артемизия Джентилески получила признание в 20 веке за ее техническое мастерство и амбициозные исторические картины. Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали в себя дизайн колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи барокко. Тем временем этот стиль немного проник в Северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого преимущественно римско-католического региона, управляемого испанцами, был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами своих покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к этому стилю. Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Подробнее читайте ниже: Архитектура, живопись и скульптура

Артемизия Джентилески

Узнайте больше об Артемизии Джентилески, художнице эпохи барокко, чьи достижения стали известны в 20 веке.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре распространился по всей Франции, а затем и в других странах, главным образом в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовался в декоративно-прикладном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто характеризуют как заключительную фазу барокко, но стиль отличается от своего предшественника своим интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых природных форм в орнаменте. Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, слегка меланхоличных картин Антуана Ватто, достигла кульминации в игривых и чувственных обнаженных телах Франсуа Буше и закончилась вольно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Французская живопись рококо в целом характеризовалась непринужденной, беззаботной трактовкой мифологических и любовных тем, введением семьи в качестве сюжета, богатой и тонкой кистью, относительно легким тональным ключом и чувственным колоритом.

Рококо

Узнайте больше о рококо, стиле, который часто считается последней фазой барокко, но который во многих отношениях отличается от своего предшественника.

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство и проектирование и строительство зданий, созданные в эпоху в истории западного искусства, примерно совпадающую с 17 веком. Самые ранние проявления, произошедшие в Италии, относятся к последним десятилетиям 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не происходили до 18 века. Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно, даже противоречиво. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, – это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.

Происхождение термина

Термин барокко, вероятно, произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другим возможным источником является португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчуга неправильной или несовершенной формы, и это использование до сих пор сохранилось в ювелирном термине 9.0024 барочная жемчужина .

В художественной критике слово «барокко» стало использоваться для описания всего неправильного, причудливого или иным образом отступающего от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на художественные стили 17-го века придерживался с небольшими изменениями критики от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда имел значение странного, гротескного, преувеличенного и чрезмерно украшенного. Только благодаря пионерскому исследованию Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888), что термин «барокко» использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного оскорбления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основные тенденции эпохи

Три более широкие культурные и интеллектуальные тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также на музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее сфер как территориально, так и интеллектуально. К последним десятилетиям 16 века утонченный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах. Чтобы противостоять нашествиям Реформации, Римско-католическая церковь после Трентского собора (1545–1563) заняла пропагандистскую позицию, согласно которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования веры общества в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, чьи художественные произведения вызывали у верующих откровенно эмоциональную и чувственную привлекательность. Стиль барокко, развившийся из этой программы, был парадоксальным образом и чувственным, и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление о великолепии божественного. Церковные потолки в стиле барокко, таким образом, растворялись в нарисованных сценах, которые представляли наблюдателю яркие виды бесконечности и направляли чувства к небесным заботам.

Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий, сопровождавшаяся одновременной кристаллизацией видного и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего проявляется в королевском дворце и садах Версаля. Но в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его вкус к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тура во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления см. в см. Рембрандт ван Рейн.)

Третьей тенденцией был новый интерес к природе и общее расширение интеллектуальных горизонтов человека, вызванное развитием науки и исследованиями земного шара. Они одновременно породили новое ощущение как человеческого ничтожества (особенно усиленного коперниканским смещением Земли из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются как мельчайшие фигуры в обширной природной среде, свидетельствует об этом меняющемся понимании человеческого состояния.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.

Подписаться сейчас

Что такое барочная музыка? – Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда был период барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина странной формы», термин «барокко» широко используется с девятнадцатого века для описания периода в западноевропейской художественной музыке примерно с 1600 по 1750 год. Сопоставление величайших шедевров с уродливой жемчужиной может показаться нам сегодня странным, но для критиков девятнадцатого века, применявших этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чрезмерно приукрашенной и преувеличенной. Давным-давно избавившись от своих уничижительных коннотаций, слово «барокко» теперь представляет собой просто удобный термин для обозначения одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

В дополнение к созданию самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Времена года» Вивальди , эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие теории Коперника 16-го века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом. Достижения в области технологий, такие как изобретение телескопа, сделали то, что считалось конечным, бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались важными вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, своим искусством предлагали уникальные перспективы. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к прямому контакту с ранее незнакомыми частями земного шара. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, долгое время зависевшую от прихотей церкви и двора.

Вернуться к началу

Кто были основными композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие известные личности первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине восемнадцатого века наше внимание переключается на немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантаты, концерты, сонаты, оратории и оперы. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля». Различия между нациями часто слышны в музыке того периода, не только в способах написания музыки, но и в традициях исполнения; особенно очевидным был контраст между Италией и Францией. Хотя сегодня может показаться, что некоторые страны претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко, каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по Европе и слушали музыку друг друга, новые условности, с которыми они сталкивались, производили на них тонкое впечатление. Некоторые из самых известных композиторов того периода включают следующее:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти. ячейка

Наверх

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, в период барокко важны несколько концепций.

Вера в музыку как мощное средство коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко происходит от интереса эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне считали музыку мощным средством общения и могли вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичный эффект, если они правильно имитируют древнюю музыку. Французский ученый-гуманист Артус Тома описал перформанс конца шестнадцатого века:0003

Я часто слышал, как о сьере Клодине Ле Жене (который, не желая никого обидеть, далеко превзошел в своем понимании этих вещей музыкантов прошлых веков), что он спел арию (которую он сочинил по частям) …и что, когда эта арсия была репетирована на частном концерте, это заставило тамошнего джентльмена взяться за оружие и начать громко ругаться, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клодин начал петь другую арию… джентльмен так же спокоен, как и прежде. Это было подтверждено мне с тех пор несколькими, кто был там. Такова власть и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первой гармония и контрапункт имели приоритет над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла всякую другую заботу. В барокко именно дух второй практики — использование силы музыки для общения — стал доминировать над эпохой.

Реалии патронажа
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно быть хотя бы слегка смягчено реалиями их жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь созданием именно того искусства, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике и степени его или ее творческого вдохновения как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать заработную плату в политическом или религиозном учреждении. Таким образом, музыкальные потребности этого учреждения диктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал то количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел форму вдохновляющей, а из-за литургических требований лейпцигской церкви, которая его наняла. Если рассматривать музыку барокко в этом свете, она может стать захватывающим окном в историю.

Наверх

Каковы характеристики музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил в эпоху барокко множество новых звуковых идеалов.

Контраст как драматический элемент
Контраст — важная составляющая драматизма композиции в стиле барокко. Различия между громким и тихим, соло и ансамблем (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали более точными в отношении инструментовки, часто указывая инструменты, на которых следует играть произведение, вместо того, чтобы позволить исполнителю выбирать. Популярность блестящих инструментов, таких как труба и скрипка, также росла.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение, как правило, состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Только в период барокко понятия «мелодия» и «гармония» начали по-настоящему формулироваться. Стремясь подражать старинной музыке, композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, преобладавшей в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на одном голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии. Если бы музыка была формой риторики, как показывают писания греков и римлян, то необходим сильный оратор, а кто лучше подходит для этой работы, чем вокалист-солист? Новое слияние между выражением чувств и соло-исполнителем ярко и отчетливо проявляется в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638 г.), в которой он пишет: «Мне кажется, что главных страстей или привязанностей нашего ума три, а именно гнев, невозмутимость и смирение. Лучшие философы соглашаются, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами указывает на это». Самые ранние оперы являются прекрасной иллюстрацией этой новой эстетики.

Наряду с упором на единую мелодию и басовую партию пришла практика basso continuo , метод нотной записи, при котором мелодия и басовая партия выписываются, а гармонический наполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607 году:

Поскольку наконец был найден истинный стиль выражения слов, а именно путем воспроизведения их смысла наилучшим образом, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современных ариях различными способные люди, и поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру … Достаточно баса с его знаками для гармоний. Но если бы кто-нибудь сказал мне, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, одного баса недостаточно, я бы ответил, что вокальные произведения такого рода больше не употребляются.

Поскольку basso continuo, или тщательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой тщательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую десятилетиями игнорировали, за последние пятьдесят лет становится все более популярной. В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь понять, как музыка могла звучать для публики 17 и 18 веков. Хотя мы никогда не сможем точно воссоздать спектакль, их работа выявила несколько основных различий между барочными и современными ансамблями:

высота тона: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на a’=440 Гц (нота A звучала с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее более низкую высоту звука (a’=435 Гц), принятую в 1859 году. До 1859 года однако стандарта подачи не было. Поэтому нота, на которую настраивались барочные ансамбли, сильно различалась в разное время и в разных местах. В результате музыка, записанная в партитуре, могла звучать на полтона ниже, чем в традиционном исполнении сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли в стиле барокко подстраивают свою настройку под исполняемый репертуар: а’= 415 Гц для музыки позднего барокко, а’=392 Гц для французской музыки, a’=440 Гц для старинной итальянской музыки и a’=430 Гц для классического репертуара.

тембр: Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не представлены в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), и инструменты, важные в 16 и 17 веках, такие как лютня и виолончель, все еще продолжали использоваться. Вариации на инструментах, популярные и сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из кишечника, а не струны, обернутые металлом, с которыми они натянуты сегодня, например, что придавало им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще содержит) информации о таких элементах, как артикуляция, орнаментация или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между инструментами в стиле барокко и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы по-другому, поэтому такие ансамбли, как «Музыка барокко», часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку смычки в стиле барокко и современные смычки имеют разную структуру, например, струнники, использующие современные смычки, часто используют более мягкую атаку на струну, а также крещендо и диминуэндо на более длинных нотах. Трактаты об исполнительском искусстве 17-го и 18-го веков также подразумевают, что пальцевое вибрато (техника, при которой струнник качает кончиком пальца по струне, чтобы обогатить тон) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как вибрато смычка (волнообразное движение смычка) в целом было предпочтительным.

Вернуться к началу

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы из более ранних эпох, такие как мотет или определенные танцы, продолжали использоваться, интерес к музыке как форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки. Многие формы, связанные с эпохой барокко, возникают непосредственно из этого нового драматического импульса, особенно опера, оратория и кантата. В области инструментальной музыки понятие контраста и стремление к созданию масштабных форм породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Опера: Драма, которая в основном поется, сопровождается инструментами и исполняется на сцене. В операх обычно чередуются речитатив , речевая песня, продвигающая сюжет, и арии, песни, в которых персонажи выражают чувства в определенные моменты действия. Хоры и танцы также часто включаются. Появление этого жанра на рубеже семнадцатого века часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Флорентийская камерата. Первой сохранившейся оперой была «9» Якопо Пери.0024 Dafne , основанный на либретто Оттавио Ринуччини и исполненный во Флоренции в 1598 году; самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, — « Orfeo » Клаудио Монтеверди (1607). Все сюжеты первых опер взяты из греческого мифа, отражая тесную связь жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур, и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели своего рода статус знаменитостей, и в результате больше внимания уделялось арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии постановки частых оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, сильно преуменьшались, а либретто были созданы с использованием стандартных сценических приемов. К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидны два поджанра оперы: опера серия , в которой основное внимание уделялось серьезной тематике и da capo aria , и опера-буффа , имевшая более легкий, даже комический тон и иногда использовавшая дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов и действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотетов и мадригалов есть прецеденты оратории конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов. К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не на три действия) и отсутствие постановочного действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с этим жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, сочиненная для использования в лютеранской церкви, постепенно сливалась с элементами оратории, особенно при включении небиблейских текстов. Ораториальная страсть, как ее стали называть, достигла кульминации в великих произведениях И. С. Баха. Другие хорошо известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие работы, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей остаются фаворитами публики и по сей день.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных частей, таких как арии, дуэты и хоры. Возникшая в Италии начала 17 века, кантата начиналась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных мероприятиях. Многие из этих произведений были опубликованы, что позволяет предположить, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты публиковались реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты стали включать da capo aria и часто сопровождалась оркестровым сопровождением. Среди крупных композиторов итальянского жанра кантаты Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно приемы драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских аналогов.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов пьес в эпоху барокко, термин соната чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипки) и бассоконтинуо; соната для двух скрипок или других скрипичных инструментов плюс бас обычно называлась трио-сонатой. К 1650-м годам сонаты часто классифицировались либо как сонаты da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемых в церкви, либо как sonatas da camera («камерная соната»), состоявшая из ряда танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца XVII века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат да кьеза Корелли . Расцвет сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце эпохи барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Другие известные примеры сольных сонат включают произведения Баха для скрипки без аккомпанемента и виолончели.

Концерт : производный от итальянского Concertare (соединяться, объединяться), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто произведением, объединяющим разнородный ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого. Духовные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, в то время как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантаты или musiche . В то время как масштабные духовные концерты можно найти в творчестве Клаудио Монтеверди, более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительных сольных инструментов были гораздо более распространены. В Германии замечательные образцы духовного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шейна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шейдта и Генриха Шютца (особенно его Kleine geistliche Concerte , или «Маленькие духовные концерты», 1636–1639 гг.).

Позднее, в семнадцатом веке, концерт стал обретать свое современное определение: многочастное произведение для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастные группы инструментов, Concerto Grosso чередует небольшую группу солистов с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерта гроссо конца 17 века. В то время как произведениям Корелли подражали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концерта гроссо 18 века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым распространенным типом концертов в 18 веке был сольный концерт, в котором выступал один инструмент, а не ансамбль. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе). В то время как большинство сольных концертов были написаны для скрипки, концерты для трубы также были популярны, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 концертов для органа, и примерно в то же время Бах также написал несколько концертов для клавесина (большинство из них представляют собой аранжировки ранее существовавших произведений).

Сюита: Основанная на традиционном сочетании танцев эпохи Возрождения, эта сюита стала первым многочастным произведением для инструментов. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство из них или все в двухчастной форме. Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманды, куранты, сарабанды и жиги стала относительно стандартной, хотя часто вставлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начинались с вводной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенных персонажей. В его Der volkommene Capellmeister (Полный музыкальный руководитель), 1739 г., немецкий теоретик Иоганн Маттесон дал список характеров каждого танца: менуэт был «умеренной веселостью», гавот «ликующей радостью», бурре «довольством», курантой « надежда», сарабанда «амбиции» и жигу могут обозначать ряд эмоций, от гнева до легкомыслия. Сюиты в стиле барокко были написаны как для сольных инструментов, так и для оркестра; те, которые написаны для одного или двух инструментов мелодии и континуо, иногда называют сонатой да камеры. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в работах Франсуа Куперена, который вставил множество нетанцевальных движений, в том числе вызывающие воспоминания зарисовки персонажей придворного персонала.

Вернуться к началу

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В В наше время посещение концерта — это событие. Мы слышим объявление по радио или видим объявление в газете; покупаем билеты; идем в концертный зал и тихо сидим, пока не наступит время аплодировать. В эпоху барокко Такого рода публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных барочных композиций исполнялись в церквях на службе или как часть частного концерта или праздника в доме богатого покровителя. Однако в ходе барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наша современная концертная традиция начала объединяться во многих европейских городах.Как Роджер Норт описал выступление в одной из первых серий концертов, организованных в Лондоне в 1670-х годах:0003

Первая попытка была низкой: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошим скрипачом и театральным композитором. Он открыл малоизвестную комнату в трактире в Белых монахах; заполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик со шторками. Иногда консорт, иногда соло, скрипка, флажолет, бас-виолончель, лютня и песня all’Italiana , и подобные разновидности отвлекали компанию, которая платила при входе. Один шиллинг за штуку, называйте что хотите, платите расчет и Добро пожаловать господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко это социальное подмножество стало музыкальным покровителем почти таким же могущественным, как церковь или двор.

Наверх

Что было после периода барокко?

К середине восемнадцатого века барочная идея музыки как формы риторики подверглась нападкам. Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые трудные понятия — но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе об И. С. Бахе в 1737 г.,

Этот великий человек вызывал бы восхищение у целых народов, если бы он сделал больше приятности, если бы он не убрал естественный элемент в своих произведениях, придав им напыщенный и путаный стиль, и если бы он не омрачил их красоту излишеством. искусства. Поскольку он судит по своим пальцам, его пьесы чрезвычайно трудно играть; ибо он требует, чтобы певцы и инструменталисты могли делать своим горлом и инструментами все то, что он может сыграть на клавире, но это невозможно… Напыщенность привела [его] от естественного к искусственному и от возвышенного к мрачному. ; и… восхищаешься тягостным трудом и необычайными усилиями, которые, однако, напрасно используются, поскольку противоречат природе.

Стремление Шайбе к ясности и простоте исполнения намекает на серьезные изменения в музыкальной эстетике: на протяжении всей его обличительной речи окончательным арбитром вкуса являются не Платон или Аристотель, а, в конечном счете, сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на непосредственном мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

Вернуться к началу

Эпоха барокко в современности

Хотя эпоха барокко закончилась более 250 лет назад, следы той эпохи можно услышать повсюду.