Екатерининский дворец | Государственный музей-заповедник «Царское Село»
Экспозиция Екатерининского (до 1910 года — Большого Царскосельского) дворца-музея охватывает более чем 300-летнюю историю выдающегося памятника и знакомит с творчеством архитекторов, которые участвовали в его строительстве и отделке в XVIII–XIX веках, а также с достижениями реставраторов, возродивших дворец после Великой Отечественной войны. Из 58 залов дворца, разрушенных в годы войны, воссоздано 32.
В 1717 году, когда на берегах Невы создавался Санкт-Петербург, в Царском Селе под руководством архитектора И.-Ф. Браунштейна началось строительство первого каменного царского дома, вошедшего в историю под названием «каменных палат» Екатерины I. В августе 1724 года, в знак завершения строительства, во дворце устроили празднество, во время которого «палили из 13 пушек трижды». На торжестве присутствовали царь и крупные государственные деятели. В то время дворец представлял собой типичное для русской архитектуры начала XVIII века небольшое двухэтажное сооружение.
В царствование императрицы Елизаветы Петровны, в конце 1742 — начале 1743 года, решено было расширить здание по проекту М. Г. Земцова (1688–1743), однако смерть зодчего помешала осуществлению замысла. После Земцова работы в Царском Селе вели А. В. Квасов (1720 — после 1770) и его помощник Дж. Трезини (1697–1768), но уже в мае 1745 года Трезини сменил известный архитектор С. И. Чевакинский (1713–1780), который осуществлял надзор за строительством в Царском Селе вплоть до начала 1750-х годов.
С конца 1748 по 1756 год строительство царскосельской резиденции возглавлял обер-архитектор императорского двора Ф. Растрелли (1700–1761). 10 мая 1752 года Елизавета Петровна подписала указ о капитальной перестройке старого здания, и уже 30 июля 1756 года Растрелли демонстрировал свое новое творение венценосной заказчице и иностранным послам.
Дворец, возведенный в стиле барокко, восхищал своими размерами, мощной пространственной динамикой и «живописностью» декора. Широкая лазоревая лента фасада с белоснежными колоннами и золоченым орнаментом выглядела празднично.
Дворцовые фасады Растрелли украсил фигурами атлантов, кариатид, львиными масками и другими лепными украшениями, выполненными по моделям скульптора И.-Ф. Дункера (1718–1795). Над северным корпусом возвышались пять золоченых глав Дворцовой церкви, над южным, где находилось парадное крыльцо, — купол с многоконечной звездой на шпиле. На позолоту наружных и внутренних украшений ушло около 100 килограммов червонного золота. Тогда же был окончательно оформлен парадный плац, огражденный дворцовыми флигелями и расположенными полукругом одноэтажными служебными корпусами — циркумференциями.
Столь же роскошно Растрелли украсил и апартаменты дворца. Созданная им Парадная анфилада, декорированная золоченой резьбой, получила название «золотой». Анфиладное расположение залов, не известное в России до середины XVIII века, Растрелли вводил и в других дворцах, но только в Царском Селе протяженность парадных комнат равнялась длине всего здания — от Парадной лестницы до Дворцовой церкви.
Следующий этап в оформлении парадных и жилых залов дворца относится к 1770-м годам.
Новая хозяйка резиденции, императрица Екатерина II, увлеченная античным искусством, пожелала украсить свои апартаменты в соответствии с модными вкусами и поручила их отделку шотландскому архитектору, знатоку античной архитектуры Ч. Камерону (1743–1812). Созданные им интерьеры — Арабесковая и Лионская гостиные, Китайский зал, Купольная столовая, Серебряный кабинет, Синий кабинет (Табакерка) и Опочивальня — отличались утонченной красотой, строгостью декоративного оформления и особым изяществом отделки. К сожалению, эти залы погибли в годы Великой Отечественной войны и до сих пор не восстановлены.
Комнаты, предназначавшиеся для великого князя Павла Петровича (будущего императора Павла I) и его супруги Марии Федоровны, оформленные Ч. Камероном в эти же годы, ныне воссозданы: Зеленая столовая, Официантская, Парадная голубая, Китайская голубая гостиные и Опочивальня позволяют познакомиться с уникальными интерьерами, созданными шотландским зодчим, творчество которого так любила Екатерина II.
В 1817 году по заказу императора Александра I архитектор В. П. Стасов (1769–1848) создал Парадный кабинет и несколько смежных с ним комнат, оформленных в едином стиле — все в этих помещениях было посвящено прославлению блестящих побед, одержанных русской армией в Отечественной войне 1812 года.
Последним аккордом в анфиладе дворца стала Парадная лестница, созданная в 1860–1863 годах И. А. Монигетти (1819–1878) в стиле «второго рококо».
Янтарная комната | Государственный музей-заповедник «Царское Село»
Из Портретного зала можно пройти в Янтарную комнату — жемчужину Екатерининского дворца, вполне обоснованно называемую одним из чудес света.
Возникновение Янтарной комнаты овеяно легендами и мифами. Ее замысел приписывали немецкому архитектору и скульптору А. Шлютеру (1664–1714), который, как считалось, спроектировал ее для Литценбурга — пригородной резиденции прусской королевы Софии-Шарлотты. Некоторые авторы утверждали, что янтарные панели так и не были установлены в Берлине и перешли в качестве подарка к российскому императору Петру I неполными, так что собрать их в Санкт-Петербурге сразу не удалось.
Вновь обнаруженные документы позволяют пролить свет на историю создания этого уникального произведения искусства.
Курфюрсты Бранденбургские, владевшие Пруссией — европейским центром янтарного промысла — с 1618 года, использовали «золото» Балтийского моря, как издавна именовали янтарь, в качестве материала для драгоценных дипломатических подарков другим князьям. Это дало толчок к стремительному развитию искусства обработки янтаря, одной из вершин которого и стала Янтарная комната. Период ее создания совпадает с общим расцветом немецкого и, в частности, прусского искусства на рубеже XVII и XVIII веков.
Курфюрст Фридрих III (1657–1713), в 1701 году коронованный как король Пруссии Фридрих I, сразу после вступления на престол взялся за перестройку своей столицы, и прежде всего королевской резиденции — комплекса зданий XVI–XVII столетий. Его супруга, королева София-Шарлотта, еще до этого вынашивала планы относительно принадлежавшего ей небольшого летнего дворца Литценбурга, построенного в 1695–1699 годах И.
-А. Нерингом и М. Грюнбергом. По замыслу хозяйки, он должен был превратиться в изысканное здание с парковым фасадом по версальскому образцу. В декабре 1701 года проект, представленный архитектором И.-Ф. Эозандером королевской чете, был утвержден, и мастер стал любимым архитектором королевы.
Сегодня известно, что именно Эозандер является автором проекта оформления Янтарного кабинета, долгое время считавшегося созданием Шлютера. Два любимых дворца прусского короля, с которыми связана судьба Янтарной комнаты, — Литценбург (с 1709 — Шарлоттенбург) и Ораниенбург — стали с 1707 года, после ухода Шлютера с поста дворцового зодчего, исключительно сферой деятельности Эозандера.
Первоначально комната с янтарными панелями предназначалась для дворца Литценбург — личной резиденции королевы; к мысли о ней, по всей видимости, королевскую чету подтолкнул не только визит по случаю коронации Фридриха I в Кенигсберг — столицу янтарного промысла, но и преподнесенный ему тогда подарок — две большие янтарные рамы.
Возможно, замысел родился у самой Софии-Шарлотты, отличавшейся широкими познаниями, разносторонними интересами, глубоким пристрастием к искусству и музыке. Проект Янтарного кабинета наверняка должен был исполнить ее любимый зодчий Эозандер, который руководил всеми работами по расширению Литценбургского дворца.
Для реализации амбициозной идеи в сентябре 1701 года был приглашен из Копенгагена резчик по янтарю и слоновой кости Г. Вольфрам. Однако летом 1706 года между ним и Эозандером вспыхнул конфликт: по словам придворного архитектора, Вольфрам работал слишком медленно и не придерживался утвержденного проекта. Датчанина сменили мастера из Данцига (нынешний Гданьск) Э. Шахт и Г. Турау, приступившие к работе над янтарными панелями в 1707 году и в течение шести лет трудившиеся над уникальной отделкой.
В 1709 году, когда София-Шарлотта скончалась, Янтарная комната еще не была завершена, однако Фридрих I остановил работы и принял решение украсить янтарными панелями галерею в другом дворце — Ораниенбурге.
Судя по всему, король прекратил строительство в Литценбурге, чтобы сохранить дворец таким, каким он был при жизни его супруги. Стены зала, предназначавшегося для янтарных панелей, украсили дамастом и золотым галуном; Красную дамастовую комнату можно видеть во дворце и сегодня. Именно с тех пор в память о Софии-Шарлотте Литценбург стал называться Шарлоттенбургом.
Тем временем король поручил Эозандеру расширение дворца в Ораниенбурге с устройством Янтарной галереи, превосходящей по размерам предыдущий проект (30 метров длиной). Инвентарная опись Ораниенбургского дворца за 1743 год содержит конкретные сведения о внешнем виде задуманной галереи, а обнаруженный немецкими исследователями рисунок 1700-х годов изображает ее часть, в декоре которой узнаются многие элементы будущей Янтарной комнаты. Однако, несмотря на продолжавшиеся работы, галерея не была завершена до смерти Фридриха I (1713), и в Ораниенбурге янтарные панели также не были установлены.
Еще при жизни Фридриха I готовые панели для Янтарной галереи осмотрел во время одного из своих визитов в Берлин (в 1712 или 1713 году) Петр I.
Российский император не скрывал своего восхищения и желания иметь подобное уникальное творение у себя на родине.
Наследник первого прусского короля Фридрих-Вильгельм I (1688–1740, правил с 1713), вошедший в историю как «фельдфебель на троне», ввел строгую дисциплину, ориентированную на практическую пользу, и прекратил все дорогостоящие работы во дворцах отца. Однако восхищение гостей, видевших янтарные панели, побудило его после вступления на престол вмонтировать их в один из кабинетов парадных покоев Берлинского королевского замка. Таков последний и единственный точно подтвержденный эпизод пребывания янтарного чуда в Берлине до отправки в Санкт-Петербург. Ни в Шарлоттенбурге, ни в Ораниенбурге панели не были установлены, хотя в каждом из дворцов для них было отведено специальное помещение.
При встрече Петра I с Фридрихом-Вильгельмом I в ноябре 1716 года в связи с заключением союза между Россией и Пруссией прусский король преподнес российскому императору подарки, среди которых был и Янтарный кабинет.
Петр I писал тогда императрице Екатерине: «К(ороль) подарил меня изрядным презентом яхтою, которая в Потсдаме зело убранная, и кабинетом Янтарным, о чем давно желали». Через два года русский император послал Фридриху-Вильгельму ответный подарок — 55 гренадер исполинского роста и собственноручно исполненный кубок из слоновой кости.
Согласно сохранившейся описи, разобранный Янтарный кабинет был доставлен в Санкт-Петербург через Мемель и Ригу в 18 больших и малых ящиках, содержавших наряду с готовыми панелями большое количество ранее не использовавшихся фрагментов. К документам прилагались наставления по поводу того, каким образом следовало распаковать янтарные украшения перед монтажом.
2 июля 1717 года А. Д. Меншиков осмотрел доставленные и распакованные в соответствии с инструкцией панно в Летнем дворце и сообщил царю об их состоянии: «Кабинет янтарный Вашему величеству от короля прусского подаренный я пересматривал и поставлен в ящиках тех, в коих привезен, в большой палате, где собираются гости, в котором гораздо немного или почти мало, чтоб попортилось.
Некоторые маленькие штучки повыпадали, однако ж заклеить, а хотя б иных и не было, то можно вновь ставить. Истинно сказать, что самая диковина, которой на свете подобной не видал».
Поскольку нет свидетельств о том, где Петр I велел установить панели и велел ли вообще, все предположения об их использовании в Зимнем дворце беспочвенны. Документально подтверждено, что его дочь, императрица Елизавета Петровна, вскоре после вступления на престол нашла применение драгоценному подарку из Берлина в строившейся для нее новой зимней резиденции — Третьем Зимнем дворце, где в 1743 году и было приказано разместить янтарный убор. Для починки и исправления янтарных деталей пригласили итальянского мастера А. Мартелли. Однако готовых элементов для украшения нового интерьера не хватало, поэтому архитектор Ф.-Б. Растрелли решил поставить в нем зеркальные пилястры и расписать «под янтарь» дополнительные панно. В 1745 году Фридрих II подарил Елизавете Петровне еще одну янтарную раму, исполненную по проекту А.
Рейха, в декоре которой использованы аллегории, прославлявшие русскую императрицу.
Собранная в 1746 году Янтарная комната стала служить для официальных приемов, хотя по мере реконструкции Зимнего дворца ее не раз переносили с места на место.
В июле 1755 года Елизавета Петровна приказала Растрелли создать новую Янтарную комнату в Большом Царскосельском дворце. Начальнику канцелярии Императорского кабинета В. Фермору поручили бережно разобрать панели в Зимнем дворце и уложить их в ящики. Из Царского Села была прислана специальная команда, которая вручную перенесла ящики из столицы в загородную резиденцию. Так началась новая, почти двухсотлетняя эпоха славы «восьмого чуда света» в России — на своей второй родине.
Отведенный для Янтарной комнаты зал Большого Царскосельского дворца площадью 96 квадратных метров значительно превышал ее прежние размеры. Растрелли разместил панели симметрично, в среднем ярусе трех стен, разделив их пилястрами с зеркалами и украсив комнату деревянной золоченой резьбой.
Для установки панно на стены вновь пригласили мастера Мартелли. Там, где янтаря не хватало, фрагменты стен были затянуты холстом и расписаны «под янтарь» художником И. И. Бельским.
Учитывая хрупкость материала, для комнаты был выделен специальный смотритель, который постоянно выполнял небольшие реставрационные работы. В 1758 году на эту должность был приглашен из Пруссии Ф. Роггенбук, возглавивший работы по созданию новых янтарных изделий в мастерской Царского Села.
В 1763 году императрица Екатерина II издала указ о замене расписных холстов и изготовлении янтарных панелей для нижнего яруса стен. Вместе с Роггенбуком к работе приступили его сын Иоганн, а также ранее приглашенные в Россию К. и Г. Фриде, И. Вельпендорф и их русские ученики. В это время было изготовлено восемь плоских щитов нижнего яруса с наборным рисунком, восемь филенок под пилястры, а также десюдепорт к средней двери и резные детали карниза, в которые включили фрагменты берлинской работы. На эти панели за четыре года ушло 450 килограммов янтаря, и к 1770 году создание Янтарной комнаты было завершено.
Комната приобрела свой окончательный вид.
Янтарный убор, занимавший три стены, был расположен в три яруса. Центральный (средний) ярус составили восемь больших вертикальных панно. В четырех из них установили композиции из цветных камней, исполненные в 1750-х годах во Флоренции в технике флорентийской мозаики по эскизам Д. Дзокки и изображавшие аллегории пяти чувств: Зрение, Вкус, Слух, Осязание и Обоняние. В промежутках расположили высокие зеркальные пилястры. Прямоугольные янтарные панно были помещены в нижнем ярусе комнаты. В северо-восточном углу поставили маленький янтарный столик на изящно изогнутой ножке.
Дополнительное убранство комнаты составили наборные комоды русской работы и китайский фарфор. Здесь же, в застекленных витринах, хранилось одно из самых значительных в Европе собраний янтарных изделий XVII–XVIII веков работы немецких, польских и русских мастеров.
Поскольку резкие перепады температуры, печное отопление и сквозняки разрушали янтарь, только в XIX веке трижды проводилась реставрация Янтарной комнаты: в 1833, 1865, 1893–1897 годах.
Позднее, в 1933–1935 годах, небольшие реставрационные работы велись скульптором И. Крестовским. На 1941 год была намечена серьезная реставрация памятника.
В первые дни Великой Отечественной войны в Екатерининском дворце началась эвакуация музейных ценностей; из-за хрупкости янтарных панелей решено было их не демонтировать, а произвести консервацию на месте: панно оклеили бумагой, затем марлей, обложили ватой и закрыли деревянными щитами.
Когда в город Пушкин ворвались немецкие части, включавшие специалистов команды «Кунсткомиссион», которая занималась вывозом художественных ценностей, янтарные панно были сняты и отправлены в Кенигсберг. В дарственной книге Кенигсбергского музея под № 200 сохранилась запись о том, что Янтарная комната подарена музею Германским государственным управлением дворцов и садов.
Похищенные янтарные панно и резные позолоченные двери были выставлены в одном из залов Кенигсбергского замка, где находился музей янтаря. Его директор А. Роде в 1944 году писал, что Янтарная комната, вернувшись на свою родину, является лучшим украшением Кенигсберга.
Это было последнее место, где демонстрировалась уникальная отделка. В 1944 году, при отступлении немцев, панели снова были разобраны, упакованы в ящики и вывезены в неизвестном направлении. С этого времени следы Янтарной комнаты теряются. Ее поиски пока не дали результатов.
В июле 1979 года Совет Министров РСФСР принял решение о воссоздании янтарных панно, работы над которыми начались в 1983 году по проекту архитектора А. А. Кедринского. Уже через год в Янтарной комнате появился живописный плафон, верхний ярус комнаты, расписанный «под янтарь», и наборный паркет. Участки, занимаемые янтарными панно, временно затянули холстом.
В 1994 году были установлены первые янтарные панели нижнего яруса и угловой столик, воссозданные реставраторами Царскосельской янтарной мастерской. Еще через два года мастера завершили работу над первой флорентийской мозаикой «Зрение». В апреле 2000 года в музей-заповедник вернулись обнаруженные в Германии наборный комод русской работы конца XVIII века и флорентийская мозаика «Осязание и Обоняние», входившие в первоначальное убранство комнаты.
Работа над воссозданием «восьмого чуда света» продолжалась 24 года, и к 300-летнему юбилею Санкт-Петербурга полностью восстановленная легендарная Янтарная комната приняла первых посетителей.
Магия шедевра прусского искусства, овеянного множеством легенд, вызвала к жизни «девятое чудо света» – возрожденную Янтарную комнату, которую мы с благодарностью получили из рук российских мастеров.
Екатерининский дворец, Пушкин, Россия – SpottingHistory.com
Екатерининский дворец — дворец в стиле рококо, который использовался как летняя резиденция русских царей. Резиденция возникла в 1717 году, когда Екатерина I наняла немецкого архитектора Иоганна-Фридриха Браунштейна для строительства летнего дворца для ее удовольствия. В 1733 году императрица Анна поручила Михаилу Земцову и Андрею Квасову расширить Екатерининский дворец. Однако императрица Елизавета сочла резиденцию своей матери устаревшей и неудобной и в мае 1752 года попросила своего придворного архитектора Бартоломео Растрелли снести старое строение и заменить его гораздо более величественным зданием в ярком стиле рококо.
Строительство длилось четыре года, и 30 июля 1756 года архитектор подарил новенький 325-метровый дворец императрице, ее ошеломленным придворным и ошарашенным иностранным послам.
При жизни Элизабет дворец славился своим роскошным внешним видом. Более 100 кг золота было использовано для позолоты изысканного лепного фасада и многочисленных статуй, установленных на крыше. Перед дворцом был разбит большой регулярный сад. В его центре находится лазурно-белый павильон Эрмитаж у озера, спроектированный Михаилом Земцовым в 1744 году, реконструированный Франческо Бартоломео Растрелли в 1749 году и ранее увенчанный величественной позолоченной скульптурой, изображающей Похищение Персефоны . В интерьере павильона были представлены обеденные столы с механизмами кухонного официанта. Парадный вход во дворец окружен двумя массивными «кольцами», также выполненными в стиле рококо. Ажурная чугунная решетка отделяет комплекс от города Царское Село.
Хотя дворец в народе ассоциируется с Екатериной Великой, на самом деле она считала его «взбитые сливки» архитектурой старомодной.
Когда она взошла на престол, ряд статуй в парке покрывали золотом в соответствии с последним желанием императрицы Елизаветы, но новый монарх приостановил все работы, узнав о расходах.
Чтобы удовлетворить свою страсть к античному и неоклассическому искусству, Кэтрин наняла шотландского архитектора Чарльза Камерона, который не только переоборудовал интерьер одного крыла в модном тогда неопалладианском стиле, но и построил личные апартаменты императрицы. , довольно скромное сооружение в стиле греческого возрождения, известное как Агатовые комнаты и расположенное слева от большого дворца. Известные своим изысканным декором из яшмы, комнаты были спроектированы так, чтобы быть соединенными с Висячими садами, Холодными банями и Галереей Кэмерона (до сих пор хранящей коллекцию бронзовых скульптур) — тремя неоклассическими зданиями, построенными по проекту Кэмерона. По желанию Екатерины, для ее увеселения в Екатерининском парке было возведено немало замечательных сооружений. К ним относятся Голландское Адмиралтейство, Скрипучая пагода, Чесменская колонна, Румянцевский обелиск и Мраморный мост.
После смерти Екатерины в 1796 году дворец был заброшен в пользу Павловского дворца. Последующие монархи предпочитали селиться в соседнем Александровском дворце и, за двумя исключениями, воздерживались от новых пристроек к Екатерининскому дворцу, считая его великолепным памятником богатству Елизаветы и славе Екатерины II. В 1817 году Александр I поручил Василию Стасову переделать некоторые интерьеры бабушкиного дома в стиле ампир. Двадцать лет спустя на месте старой круговой лестницы, ведущей к Дворцовой капелле, была сооружена великолепная Стасовская лестница. К сожалению, большая часть стасовских интерьеров, особенно тех, что относятся к царствованию Николая I, после разрушений, нанесенных немцами во время Великой Отечественной войны, не восстановлены.
Когда немецкие войска отступали после блокады Ленинграда, они намеренно разрушили резиденцию, оставив после себя лишь пустую оболочку дворца. Перед Второй мировой войной русским архивистам удалось задокументировать изрядное количество интерьеров, что имело большое значение при реконструкции дворца.
Екатерининский дворец — одна из самых популярных достопримечательностей Санкт-Петербурга, и очереди в летние месяцы могут быть пугающими. Все посетители обязаны пройти экскурсию с гидом, которая проводится на русском языке, если иное не оговорено заранее.
- Википедия
Искусство и архитектура в стиле барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты
Артемизия Джентилески: Юдифь со служанкой
- Похожие темы:
- искусство барочная музыка барочная архитектура Позднее барокко необарокко
Просмотреть весь связанный контент →
Популярные вопросы
Откуда взялся термин Барокко ?
Термин барокко , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике.
Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другой возможный источник – португальское слово 9.0005 barroco (испанский barrueco
Подробнее читайте ниже: Происхождение термина
Генрих Вельфлин
Прочтите об историке Генрихе Вельфлине, который превратил слово барокко из слегка завуалированного ругательного термина в название особого стиля и периода.
Каковы характеристики искусства и архитектуры барокко?
Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно и даже противоречиво. Течения натурализма и классицизма, например, сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, – это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.
Подробнее читайте ниже: Происхождение термина
Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане
См. пример характерной драмы и движения архитектуры барокко в дизайне Франческо Борромини для Сан-Карло-алле-Кватро Фонтане.Как возникли искусство и архитектура барокко?
Три основные тенденции оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация.
Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545—63) приняла пропагандистскую программу, согласно которой искусство должно было служить средством возбуждения веры населения в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка делала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного. Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко строились в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу централизованного государства, явление, которое лучше всего проявилось в Версале. Третьей тенденцией было расширение интеллектуальных горизонтов человека, подстегиваемое развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение человеческого ничтожества (особенно усиленное коперниканским смещением Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира.
Подробнее читайте ниже: Три основные тенденции эпохи
Контрреформация
Узнайте больше о Контрреформации, пропагандистской программе, принятой Римско-католической церковью для противодействия распространению протестантской Реформации с помощью искусства и архитектуры.Какие художники связаны со стилем барокко?
Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицистический и реалистический стили. Художница Артемизия Джентилески получила признание в 20 веке за ее техническое мастерство и амбициозные исторические картины. Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали в себя дизайн колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко.
Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.Подробнее читайте ниже: Архитектура, живопись и скульптура
Артемизия Джентилески
Узнайте больше об Артемизии Джентилески, художнице эпохи барокко, чьи достижения стали известны в 20 веке.Чем стиль рококо отличался от барокко?
Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре распространился по всей Франции, а затем и в других странах, главным образом в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовался в декоративно-прикладном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто характеризуют как заключительную фазу барокко, но стиль отличается от своего предшественника своим интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых природных форм в орнаменте. Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, слегка меланхоличных картин Антуана Ватто, достигла кульминации в игривых и чувственных обнаженных телах Франсуа Буше и закончилась вольно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара.
Французская живопись рококо в целом характеризовалась непринужденной, беззаботной трактовкой мифологических и любовных тем, введением семьи в качестве сюжета, богатой и тонкой кистью, относительно легким тональным ключом и чувственным колоритом.
Рококо
Узнайте больше о рококо, стиле, который часто считается последней фазой барокко, но который во многих отношениях отличается от своего предшественника. Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство и проектирование и строительство зданий, созданные в эпоху в истории западного искусства, примерно совпадающую с 17 веком. Самые ранние проявления, произошедшие в Италии, относятся к последним десятилетиям 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не происходили до 18 века. Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно, даже противоречиво. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом.
Происхождение термина
Термин барокко, вероятно, произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другим возможным источником является португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчуга неправильной или несовершенной формы, и это использование до сих пор сохранилось в ювелирном термине 9.0005 барочная жемчужина .
В художественной критике слово «барокко» стало использоваться для описания всего неправильного, причудливого или иным образом отступающего от установленных правил и пропорций.
Этот предвзятый взгляд на художественные стили 17-го века придерживался с небольшими изменениями критики от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда имел значение странного, гротескного, преувеличенного и чрезмерно украшенного. Только благодаря пионерскому исследованию Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888), что термин барокко использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного оскорбления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.
Три основные тенденции эпохи
Три более широкие культурные и интеллектуальные тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также на музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее сфер как территориально, так и интеллектуально. К последним десятилетиям 16 века утонченный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.
Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий, сопровождавшаяся одновременной кристаллизацией видного и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству.
Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего проявляется в королевском дворце и садах Версаля. Но в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его вкус к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тура во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления см. в см. Рембрандт ван Рейн.)
Третьей тенденцией был новый интерес к природе и общее расширение интеллектуальных горизонтов человека, вызванное развитием науки и исследованиями земного шара. Они одновременно породили новое ощущение как человеческого ничтожества (особенно усиленного коперниканским смещением Земли из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде мельчайших фигур в обширной природной среде, свидетельствует об этом меняющемся понимании человеческого состояния.